jueves, 31 de agosto de 2017

MUSEO DE REPRODUCIONES DE BILBAO LA VIEJA; EL MOISES DE MIGUEL ANGEL Y LA VENUS DE MILO



En el museo de reproducciones de Bilbao en Bilbao la vieja hemos visto una recreación de esculturas griegas. No son las originales, se trata de réplicas muy parecidas. En Corazón de María se ha celebrado el 80 aniversario del museo de reproducciones con champán y algún pincho como ágape.
Para empezar, debo hacer un breve resumen de la historia griega. Todo empezó en la isla de Creta. Es la era minoica. En Minos, en Creta, estaba el palacio del rey donde vemos danzas dionisiacas con un toro. Allí se cree que estaba el laberinto del minotauro. Después llegará la era micénica. De Micenas salió Agamenón y los aqueos para luchar contra París y los troyanos en la guerra de Troya. París había raptado a Helena, la mujer de Menelao, hermano de Agamenón. Agamenón volvió con la pitonisa Casandra y fue asesinado por su esposa Clitemnestra y su amante Egisto. En la orestiada se relata como el hijo de la pareja, Orestes, cometió el matricidio. Mató a su madre y a su amante. A esa época le sucede la época clásica. En la era de Pericles se dan figuras intelectuales como Sócrates y Platón y además el esplendor del gran teatro (Eurípides, Sófocles y Aristófanes) Por eso se considera esta época la edad de oro griega a pesar de su guerra con Atenas. Luego llegaría la guerra con los persas y finalmente el periodo Helenístico con Alejandro Magno, criado por Aristóteles. El imperio griego llegaría hasta Roma o la India (allí moriría borracho Alejandro) Así empieza la dinastía egipcia hasta los tiempos de Cleopatra y sus amoríos con Julio Cesar y Marco Antonio.
  
Apolo y hércules son dos esculturas de gran musculatura, unos “cachas”. La escultura se da un aire al pensador de Rodin. Los griegos creían en el Juicio final, donde los dioses podían enviarte al infierno, al Hades. Vemos una escultura de Pitágoras de Samos (480 a c  460 dc) y el Auriga de Delfos con delfín. ES una escultura de bronce, con planta, diadema y cobre en los labios. Fue encontrada en un altar en Pérgamo. En bronce está hecha este auriga, un carro tirado por 4 caballos. Sobre ella va el guerrero, el oferente, el mozo de cuadra. Es de estilo arcaico clásico, de estilo severo. Es del siglo V a c . Muestra un rostro altivo imposible en la realidad y destaca la tensión de tronco y cabeza. El conductor del caballo lleva una diadema de plata, cobre en los labios, y vidrio en los ojos. También vemos la escultura a Alejandro Magno, hijo de Filipo II de Macedonia que viajó por la india, Egipto… 
Otra escultura representa a Atenea y el gigante Albcioneo. hijo de Gea, la diosa tierra) muerto por la serpiente de Atenea. Atenea aparece con una égida en el pecho, escudo a la izquierda, y el símbolo de la victoria de Atenea vencedora. La serpiente representa a Erictaio, compañera de atenea, con la que dio muerte al gigante.  Vemos a la diosa Gea sobre la hiedra
Zeus y Pergamo contra los 3 gigantes Dionisiades Melampis y theotemos. Estos gigantes en Pergamo fueron destruidos por los bizantinos. En 1881 karl human lo descubre en la acrópolis. Estaba en un friso de mármol blanco. Luego se llevó a Turquía y actualmente el original puede visitarse en el museo de Berlín. Es una escultura del Asia menor. Representa a los reyes de la dinastía atálida. Aparece una serpiente en el friso erictono y a la diosa victoria eumenen sobre pronto. Nike es la diosa de la victoria que lleva una rosa y un olivo Vemos la Gigantomaquia o conjunto de gigantes con un movimiento constante como en el teatro y grandes músculos. Es una muestra del barroco helenístico
El Sileno niño Dionisio es del III a c y normalmente puede verse en el Louvre. Dionisio o Baco es protegido de la ira de la esposa de Zeus, Hera, que es su madrastra y no ve bien las infidelidades de Zeus. En el Monte Nisa vivían sátiros y ninfas. Es de la Grecia del IV a c y hecho en   bronce por Lisipo. Lleva los paños mojados. Es obra de los escultores seguidores de la escuela de Fidias.
Lorenzo de Medici de Miguel ángel 1524 31 representa al Médicis de Florencia y  duque de Urbino  dedicado a la vida contemplativa y  hermano de Giuliano que tenía una  vida más activa. El príncipe se toca el labio, y reza al dios amor del tiempo. Vemos también el Moisés de Miguel Ángel. El Moisés de Miguel Ángel está inspirado en la Biblia, en el Antiguo testamento, en que aparece como salvador. Se rebela contra el Becerro de oro y hace una Alianza con Yahvé que le da las tablas de la ley y los 10 mandamientos que nos remiten a la magnífica película de Charlón Heston. Los músculos son los propios que esculpía Miguel Ángel en el renacimiento. Miguel Ángel esculpía y pintaba mujeres cachas, musculadas. Tenía una visión distorsionada de la mujer pues decían que era homosexual. En San Lorenzo hizo esculturas de niños desnudos. El escultor le dio un martillazo en la rodilla a su escultura llenando de polvo a Julio II, el que le encargó la obra. Hizo esculturas para San Pedro de Vincoli y es un antecedente del barroco por los movimientos y expresada y gestos. Destaca por el Cuerno en la cabeza de Moisés que era una indirecta del artista para decirle a su amigo que le estaban poniendo los cuernos. En la biblia Vulgata San Jerónimo dice que Moisés viene con cuernos por gracia de Dios. Representa a Moisés salvando las aguas. La historia nos habla del becerro de oro y el monte Sinaí y la alianza con Yahvé y las tablas de la ley. Tiene la terribilitas una expresión de ira contenida. Dicen que Miguel Ángel le dio un martillazo en la rodilla y le dijo “levántate”. El genio trabajaba en distintas posiciones, subido por poleas a plataformas, para ver las estatuas desde una postura o otra. El Moisés debía decorar la tumba del papa Julio II. Dicen que el papa protestó que no se parecía a él la estatua y Miguel Ángel dio un martillazo en la nariz llenando al Papa de polvo. El papa llamaba delincuente a Miguel Ángel, le llamaba el hombre terrible. De ahí que llamara a sus esculturas terribilitas. El Vaticano paga al artista para que decore el techo y paredes de San Piedro de Vincoli en el Vaticano. Y Miguel ángel decora entonces su famosa capilla Sixtina. Esta estatua de Moisés la tuvo un tiempo Robespierre. Miguel Ángel tardó 4 años en hacer esta escultura. Los Medici le protegían. La estatua presenta la dualidad o ambivalencia entre un Dios sabio y estable con barbas y un hércules de músculos exagerados. Es una mezcla de lo apolíneo de Dios y lo dionisiaco de Hércules o los héroes, a medio camino entre el dios y el mortal. Representa al Dios cruel del antiguo testamento a la vez que al Dios amor del nuevo. Esta estatua representa lo apolíneo, la figura de Jesús y la perfección y también se basó en las esculturas de los desnudos de Hércules. Por eso es una mezcla de apolíneo- dionisiaco. También cuenta la leyenda que el maestro profanaba tumbas para coger de modelo los esqueletos humanos. Miguel Ángel, como Leonardo Da Vinci fue un gran autodidacta y diletante, un sabio que lo mismo sabía de arte, pintura, escultura que de filosofía, geometría o ciencia. Este Moisés es el que libera el pueblo de Egipto. Moisés era israelita, pero fue abandonado en las aguas y criado por una princesa egipcia. Ya de mayor fue valido y protegido del rey hasta que este le expulsó porque no le gustaban sus profecías. Moisés mató a un esclavista que esclavizaba a los judíos. Marchó al exilio con el pueblo de Israel. Libera al pueblo judío de la opresión egipcia del faraón que enfurece cuando Moisés se escapa. Guio a los judíos a través del desierto durante 50 años buscando Canaán y algo de agua o un oasis en el desierto. Dicen que bebían el Maná del cielo enviado por Dios. Es conocido el episodio en que ordena las aguas del río y quedan presos los egipcios. En el monte Sinaí subió a recoger las tablas de la ley de Dios con los diez mandamientos. Cuando bajó su pueblo adoraba al becerro de oro. José también judío, también va a Egipto después de que le abandonaran en un pozo sus hermanos y se hace rey. Los judíos buscaban la tierra prometida, Canaán, ya desde tiempos de Abraham. Daniel fue otro judío que profetizaba sueños y predijo la decadencia y caída de Nabucodonosor en Babilonia. Le enviaron al circo, a que se lo comieran los leones.
 
Otra escultura que vemos es el Hermes de Olimpia de Praxíteles, del siglo IV a c., era post clásica. Fue hallada en el Templo de Hera (mujer de Zeus) en el santuario de Olimpia en 1877. Hermes era el dios de los mensajeros y “periodistas”. Hermes lleva a Dionisio al monte Nisa lejos de la cólera de Hera que quería matarlo, despeñarlo por un barranco, pues había nacido feo y deforme. Denotamos el contrapuesto, el balanceo, y la curva praxiteliana. Hermes era hijo de Zeus y de Maya, hermanastro de Apolo y Artemisa. Grecia estaba llena de ladrones, pastores, mercaderes, mensajeros…los seguidores de Apolo eran los sacerdotes y artistas mientras que el pueblo rendía culto a lo bacanal y dionisiaco. Dionisio era el dios del vino, la agricultura, y el teatro. El pueblo es representado de forma graciosa y dulce y lírica, pero no como héroes o atletas. Esa forma de representación estaba reservada a esculpir a los dioses. Varios cuadros de la época nos dan idea de la atmosfera soñadora y melancólica de esos campesinos en una especie de locus armonius o lugar bucólico, pastoril e idealizado. Se empleaba además el esfumato para crear atmosferas en el lienzo.
Afrodita y Diana es una escultura de Fidias, de la era clásica 438 a c, encontrada en el Partenón de Atenas. También vemos la representación de una Venus itálica del neoclásico 1940 cuyo original está en la academia de san Fernando. El Templo afaia. El Diodemo de Policleto del V ac  (s Fernando) son otras de las obras expuestas. El Juicio de París es de Rubens del barroco 1638. Representa a las 3 gracias. París debía elegir quien era más guapa; Afrodita, Atenea o Diana. El Friso de panateneas es de Fidias del V ac, encontrado en 1994 y que se encuentra en el museo británico.

Benito Bartolozzi VII II fue un escultor helenístico que esculpió la estatua de venus y Minerva del Iv a c (san Fernando) El Discóbolo de Arquímedes del V a c fue encontrado en 1930. Es obra también de Bartolozzi. Contemplamos ahora otra obra del mismo autor; el torso de Belvedere de Apolonio, hecho en Atenas en el I ac, periodo helenístico y que se expone en el Vaticano desde 1930.  Otra escultura de este autor es el Niño de la espía del capitolio, tiene la cabeza idealizada y se expone en Madrid desde 1930 que se encontró.
Héctor París Aquiles Agamenón Clitemnestra Menelao helena son los protagonistas de la Ilíada y la Odisea (el famoso caballo de Troya). Vemos estatuas de Apolo, y de Aquiles, que vengó la muerte de su hermano Patroclo asesinando al héroe Héctor, hermano de París.  Hay una estatua de Homero del II a c, autor de estas epopeyas, que se conserva en el museo nacional de Francia. Aquí podemos ver su réplica, así como la escultura de Alejandro magno como Helios del siglo III al II Ac, periodo helenístico. Demóstenes de Polilucto del III a c es también una obra del periodo helenístico o el centauro de Fidias que es de la era clásica V a c. Afrodita de Praxiteles es del periodo clásico, IV a c posterior del V. el Apolo de belverede es original de Leocanes, del Iv a c y se expone en el Vaticano.
Laaconte y sus hijos es obra de Agesandro Atenadoros y Polidoros. Es una obra de bronce del I a c, helenístico por tanto y se expone en los museos vaticanos de Roma, desde 1932. Zeus le manda serpientes a sus hijos. Laaconte aparece con la boca entreabierta, en agonía y angustia, los ojos hundidos, el pelo alborotado, y rasgos de dolor. Esto era muy propio del Barroco de Pergámo; mostrar la escultura con rasgos muy humanizados, expresiones de dolor o de movimiento, una anatomía abultada, trepando. Está inspirado en el Alcianeo de Zeus. Hay varias versiones, pues hicieron copias para unos papas o otros, y para Nerón o Tito. El papa mandó restaurarlo cuando lo hallaron en Roma. A la Escuela de rodas pertenecía el escultor Apolodoro. 
 
La Venus del Nilo representa la victoria alada de Samotracia. Es del periodo helenístico, es del 190 a c y se halla en el Louvre. Marinetti decía que un coche de carreras era más bello que esta estatua que encandiló a Napoleón (en una expedición se encontró también la piedra de Roseta con textos en griego, egipcio y hebreo). También se la llamaba Calmos de Samocracia.  Lo hizo Pithorkitos de Rodas en el 11 a c. Representa a Niké o la diosa de la victoria, la mujer alada diosa de la suerte. Fue una forma de conmemorar la batalla. Lleva paños mojados. Destaca el movimiento de la ropa. Los efectos visuales, el estante del viento. el Estranmce son la forma de representar como el viento mueve los ropajes. En 1863 fue descubierta por el cónsul de Adrianópolis. Representa a los dioses de la isla nodos y la victoria de Nadal del II ac. Fidias  le da movimiento y teatralidad
 
Artemisa era la diosa de la noche, la caza y la patrona de las amazonas, las mujeres guerreras. En Roma se la llamó Diana, la cazadora, con su arco y sus flechas. La Diana de Gaber es de Praxiteles, del periodo imperial del 14 a c al 34 a c y se expone en el Louvre. Se encontró la Artemisa en el santuario de Brauronia en la acrópolis de Atenas. Había que darla una ofrenda habitual entre las futuras esposas y madres
Vemos una escultura de un gladiador de Borgueses, de Agasias de Éfeso, en el periodo helenístico 100 a c. está en el Louvre y se inspira en Lisipo. Hay una réplica de Aquiles, el original es de bronce del siglo IV. Es también del barroco de Pergamino, como nos sugiere su musculatura. El guía nos muestra al héroe Áyax Telomonio sentado en una roca, sobre una piel de pantera, reflexivo sobre su vida antes de suicidarse. Seguimos viendo esculturas; unos luchadores del imperio romano cuyo original está en la galería de los Ufizzi en Florencia. La Venus de Esquilino y los capitolios de Bartolozi pueden verse en Madrid. Vemos la Venus de corrida de Praxiteles. Lamioni. La Venus madiomene emerge de las aguas-. Hay un jarrón egipcio, y una cobra enroscada a las rosas.
En el siglo XVIII los románticos, los estudiantes europeos, hacían lo que llamaban el Grand Tour. Era una especie de viaje turístico, cultural e iniciático. Visitaban las tierras exóticas de Grecia e Italia (roma, Nápoles, Florencia, Venecia) aunque también de Francia, Alemania, los países bajos, el levante español y Andalucía. Es en estos viajes donde más se han encontrado estatuas y esculturas griegas. El viaje estaba reservado solo a los aristócratas adinerados aspirantes a artistas. El arte era algo paradigmático. Todo hombre debía conocer todo esto. James boswelll en el siglo XVIII fue uno de esos viajeros que se llevaron suvenir y recuerdos de su viaje. Los ingleses y los franceses, con Napoleón, robaron y expropiaron muchas obras. Por eso hay más obra en el museo británico de historia y en el Louvre que en las propias zonas de creación; Italia, Grecia y Egipto. Fue un auténtico latrocinio colonial.

EXPOSICIONES DEL GUGGENHEIM


ARTE EN EEUU
En la segunda guerra mundial en EE.UU surge el expresionismo abstracto americano. Dentro e ella destaca la pintura de acción o action paintin y obras como Villa borguese del 60 de willen de kooning (1904 1987),o las obras de Pollock. Dentro de la pintura de campos de color, (los llamados pintores del silencio) destacan las obras de Mark rothko 1903 1970. En la guerra fría, frente al realismo socialista ruso surge este expresionismo americano. Podemos ver el surrealismo y la gran anthropometric de yves Klein 1928 1962 como un antecedente del mismo, en cuadros como azul. Entre estos expresionistas destacan clyfford still o Robert motherwekll. En España este expresionismo lo exportó Antonio tapies 23 2012 con la obra ambrosía del 53 por ejemplo. 
Después del expresionismo surgiría el pop art. De Warhol (Pensilvania 28 Nueva York 87) se ha expuesto en el museo Guggenheim su serie de obras; Casas aburridas, perdición, Sombras, la Factory o sus famosas Marilyn. Se trata de 1202 serigrafías y 83 lienzo. En el 60 se da el realismo capitalista alemán, un arte industrializado, que está en el origen del arte pop. En la era de la información y la cultura pop Warhol crítica y a la vez celebra la cultura popular. Legitima aquello que está denunciando; las nuevas tecnologías, la sociedad del corta y pega, la simulación, la copia industrial, la publicidad o la tele basura. Signmuur Polke 1941 2010 habla de lo cotidiano como reprobación de una sociedad y del consumo y milagro económico alemán en el 63. Rober Rauschenberg 1925  2008, Guy tawanbly 1928 2011 en Nueva York hacen  obras importantes en la década de los 50. En el 63 en el jewish museum de Nueva York presenta 9 discursos sobre Cómodo, dedicados al emperador o Barcaza del 62 63, o 24 horas, expuestas en la Galería leo Castelli Twonlly regresa a Nueva York con obras del Imperio de Aurelio cómodo. También se exponen las obras críticas de Judd 28 94, autor minimalista estadounidense o Geor vaseliz. 
 
Basquiat 60 85, el sucesor y aprendiz de Warhol, basa sus cuadros en caricaturas, errores de ortografía, tachaduras como en el hombre en Napoles del 82, rea el Moisés de los egipcios en el 82 (con grafitis como tablas de la ley en el ejercito faraónico), que surge de su visita Italia en el 82 y se deben al resentimiento que tenía contra su mecenas italiano al que llamaba “el charcutero”. Sus garabatos simbolizan colores palabras nombres o voces gritando. Basquiat pinta a Lenin Stalin que nunca salen en la misma foto Empieza el cuadro por los pies en la señora que representa un Lenin travesti. Basquiat tiene varias etapas; la etapa azul, el periodo en el pueblo, la etapa gay, la de manicomios… Richard jon pinta mientras en long island, Nueva York. EEUU vuelve a la figuración y a la expresividad en el arte con pintores como Julián schnabel.. O Schnabel que pinta trozos mate, ricos 
 
EXPRESIONISMO ALEMAN TRAS II GUERRA MUNDIAL
Anselm kiefer (45), es el gran pintor abstracto tras la 2 guerra mundial. Está influenciado por el surrealista Klein y por De Kunnin y no reconocemos las figuras, aunque haya cierta figuración en ver las formas. Aparecen coloridos campos de cultivo y retrata la posguerra alemana tras la segunda guerra mundial. Usa restos metálicos. Pinta tanques y aviones y la tierra quemada, pero en medio de toda esa barbarie hay esperanza. Es el gran pintor de la recuperación Alemania. En su obra aparecen pegados girasoles de verdad, girasoles secos. Representa el renacimiento de Alemania que gobierna Europa y el mundo. En la época del Nacional socialismo, de los nazis, hace un homenaje a Paul celan (20 70) que sobrevivió al holocausto. Es un homenaje al poeta y a su canto del soldado muerto. Sin embargo, en la obra no vemos ni rastro del soldado, pro aparece un campo florido, las flores representadas por colores y gran cromatismo, y en la parte de arriba el horizonte del cielo azul. Es una literatura de identidad de la arquitectura en Alemania. Lo vemos en obras como Hombre en el cosmos. O barca en Egipto entre la noche, la vida y la muerte. O en lucha de gigantes en los 80 donde representa a Gilgamesh y Enkidu en un bosque cedros. Se basa en el cantar de Gilgamesh sumerio. También se basó para sus cuadros en los estudios de Mite lute, un filoso ocultista ingles del XVII o de Robert flud 1574 1637 Cada planta del mundo tiene si estrella en el firmamento. Así hace una recreación del microcosmos de la tierra, y el macrocosmos del cielo. Mezcla la pintura con la escultura y el collage pues divide el lienzo en muchas capas. Usa planos de alambre, paja, yeso, barro, semillas de girasoles, ceniza y polvo. 
BARCELO Parece rebelarse, al igual que Barcelo, al lienzo como único soporte en que crear.  Trasforma en materia plástica el oro del Alquimista. Miguel Barcelo (Mallorca 57) pinta el Diluvio en el 90. El tema es el apocalipsis melancólico. Crea también Tierra quemada y embarcación solar del 84 al 95 Hace pintura y escultura. Ahora se puede criticar un sistema político con el blog, las cartas al director.. pero entonces la mejor forma de denuncia era el cuadro. Barcelo tiene títulos larguísimos que no tienen nada que ver con la obra y los usa para despistar como el título n 1 o el titulo n 0. También pìnta macho cabrío en el 92, son dos animales cabeza abajo y degollados o sacrificados. Pinta Faquines en el 93, España en el 86, aparecen platos rotos, jarras y cráneo de bóvidos Barcelo es seguidor de Tapies, y le gusta pegar cosas al lienzo. De repente el lienzo sobresale, sale del cuadro, juega con la materia y el espacio. El lienzo adquiere carga matérica.  Crea volúmenes. Le da grosor al tamaño. Utiliza nuevos materiales como ceniza humo o arena. Pasa de la figuración a un estilo completamente abstracto- pinta lo mismo un tatuaje que estancias renacentistas en abstracto, el sexo entre padres, los juegos de la guerra, desnudos con collar o  lunas de soledad Hace lo que quiere cuando trabaja en su taller. 
 
Gerhard rochter 32 también sufre el horror de la segunda guerra mundial desde Desdre Alemania oriental. Representa el Informalismo expresivo. Pinta el telón de acero Conoce a Konrad Fischer 39 96, a Blanky Palermo 43 77 y a Sigmur polke 41 2010 Va a Dussenldorf. Sus pinturas están basadas en Fotos como foto pinturas del 62 que pertenecían al pasado Marinas del 60 98 muestra el pigmento diluido en la superficie de la foto, cuando desenfoca la imagen . Tiene influencia de Caspar David frieich 1774 1840. Es un nuevo punto de inflexión en su carrera. ES difícil saber si es foto o pintura Otros autores expresionistras son Rober rausecheberg Gerhard Richter Todos alemanes
En los 80 en Alemania se abandona la figuración y la expresividad propia del expresionismo alemán y surge la abstracción, el arte conceptual y el minimalismo. Georg baseltz 38 representa el neo expresionismo alemán con obras como Señora Lenin y ruiseñor de 2008. Otto dix 1891 1969 es otro autor expresionista con obras como la periodista Silvia. También pinta a los padres del artista en el 24 y junta en el lienzo a Lenin y Stalin. Georg baselitz y Paul mac pintan en el vaticano en el 38
LA TRANSVANGUARDIA ITALIANA
Francesco clemente 52 pinta la habitación de la madre entre el 95 y el 97. Emula los stanzes o las estancias, estudiaba los palacios renacentistas y pinta sala en el 2003. Representa la tras vanguardia italiana, alabada por la crítica en obras como bonito y oliva del 39. Participa en la Bienal de Venecia del 80 representando la figura humana con materiales tradicionales. Se basa en la iconografía judeocristiana oriental. Hace trasformaciones y deformaciones de flores, son abstracciones monocromáticas. La Habitación de madre son 17 paneles que se expusieron en Florencia. Esta vinculado al arte italiano pero enseguida marchó a Nueva York donde conoce a Warhol y Basquiat. En sus cuadros aparece la tierra aire fuego y agua, los cuatro elementos, y el simbolismo, la cultura india y la astrología. Entra en el telón de escena en los años 20, diseña el fondo del cuadro. Destaca la base de su pintura y el lirismo de obra. Mimmo Paladino, Nicola De Maria, Sandro Chia y Horacio Cordero y Enzo cucchi 49 son otros artistas de la tras vanguardia italiana llamados los de la catástrofe en el arte. Pinta Deporto oriental en el 86, es un viaje en el tiempo, al nuevo mundo, en un barco italiano
ARTE VASCO DEL VACIO OTEIZA CHILLIDA

De Chilida 24 2002
en el museo Guggenheim se ha expuesto obras que reflejan el espacio y el vacío como espíritu del 95, roca granito, los girasoles del 96, las célebres ordenes de la noche del 97,  Bemerice del 89. Chillida recibió el diploma de la tour trienal de Milán y Grombrich habla de él en su libro la  Venus de Velázquez, arte y representación del 54. En el 58 Oteiza 1908 2003 gana el gran premio de escultura de la bienal de Venecia. En el 51 le dan el diploma de honor de la trienal de Milán. En el 57 el premio internacional escultura bienal de sao paulo. Es el creador del monasterio de Aranzazu. Oteiza es también el fundador del Grupo Gaur, el  movimiento de la escuela vasca de escultura. A Chillida, Oteiza e Ibarrola se les conoce como los escultores del vacío vasco. Estudia la masa, el espacio (el espacio positivo) y el  vacío (el espacio negativo). La escultura se desprende de su identidad matérica para hablarnos de lo que no se ve, del vacio, que llena de trascendencia mágica, religiosa o mitológica. Se pueden ver en el museo sus Obras conclusivas de cajas vacías, y metafísicas del 58. El Vacío y la nada se ve en los crómlech micro líticos. Nos habla de la fuerza y poder de la piedra y nos remite a la prehistoria y al primer hombre vasco. Espacios para espíritus del 1915 es una obra en granito rosa. La abertura cubica nos hace penetrar en una especie de entierros de la genética materia 
DOS EXPOSICIONES
En el Guggenheim podemos ver el Video arte instalación Nube no saber de Ko tsu nyer (Singapur 76)  Se basa en un tratado místico y neoplatónico y cristiano de oración. Huber danis en el 28 crea la monografía nube donde explora la simbología y semiología de los signos. Ha expuesto en la bienal de Venecia de 2001. Tiene influencia de Caravaggio Zurbarán coregio bernini magrite mifin zhengum. Hace referencias artísticas y culturales de occidente y oriente. En  200 canciones o en habla a las nubes. La Nube representa el humo, la agresión y la trascendencia sensorial

Entre 1887 y 2016 Susana talaye crea su obra Crónica inquieta Lleva 3 décadas en Bilbao y en el 61 le hicieron la primera retrospectiva. Tiene 2 secciones de dialogo; roma jardín t cabezas. Su obra es de una gran experimentación técnica y denota mucho proceso de trabajo. Acumula material con reiteración de formas origen orgánico. Su obra consiste en pinturas, videos y dibujos hecho en Roma del 86 al 95. Expone una memoria revisión del material reciclado en papel y tela de madera. En el 2002 usa papel de poliéster y experimenta con la encáustica, la técnica de aglutinar pigmentos en tela liquida. Se ha comprometido en un compromiso de exploración técnica y formal en su trabajo pictórico. Del 91 al 94  hace una serie de retratos. En el 2016 hace la mesa de roma, una instalación con acrílico, collage y pintura spray y acetato. Es además fotógrafa. Utiliza como soporte la pluma, conchas, papel vegetal y madera. En 1993  pinta el verdadero motivo, una mirada sentimental femenina. Se parece a la Historia interminable el cuadro. En 1999 dibuja kenkina, una escena de niños y Jardín en 2016 y bizarra en 2012

LOUISE BOURGEOIS LA ARAÑA
Louise Bourgeois parece decirnos que el espacio no existe, es una metáfora de la estructura de nuestra existencia De 1911 a 2010 renueva los materiales y formas. Plantea innovaciones formales en el arte creando grandes instalaciones ambientales y teatrales. Son obras de gran tamaño, arquitecturas que ocupan toda una sala como la famosa araña a la salida del Guggenheim. En ella es importante la influencia del sicoanálisis freudiano (el padre la pegaba y la violó y la madre era su gran apoyo) o el feminismo. Hace dibujos, esculturas, arquitecturas, estatuas de yeso o barro. En el museo se exponen sus celdas y espacios arquitectónicos llenos de emociones. Son microcosmos individuales. La celda es el recinto que separa el mundo interior del exterior. Son objetos estructurados que ella dispone. Muchos fueron encontrados en la calle, nuevos materiales a la pintura. Mezcla estilos, esculturas, creando una escenografía de las emociones. En 1986 crea la corrida articulada, 60 celdas en su vida. Es una habitación sin salida y con una escalera que asciende a ninguna parte No escape lo creó en el 89 y fue expuesta en el 2006 En Ultima salida vuelve a aparecer la escalera de caracol en la celda. Es del 2008. La artista estudió en Brooklyn. Por sus esferas trasparentes parece flotar el aire sobre la tela metálica En artista interior o ponencia ingrávida una gota de color azul claro forman su autorretrato. En la tela de araña las formas e hilos se conectan con bovinas adosadas a las paredes de la celda Esferas madera en suelo simbolizan cuerpos femeninos. Son 6 paneles que regaló al museo antes de su muerte el 31 de mayo de 2010 Por ultimo en el museo se puede ver el laberinto de Richard serra y Heny jolzen